Пикассо годы жизни. Биография Пабло Пикассо. Он оказал неповторимое влияние на формирование изобразительного искусства XX века.
Детство и годы обучения (1881-1900)
Пабло Пикассо родился 25 октября 1881 года в городе Малага, анадалузской провинции Испании. При крещении Пикассо получил полное имя Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Криспин Криспиньяно де ла Сантисима Тринидад Руис и Пикассо - что по испанскому обычаю являлось чередой имен почитаемых святых и родственников семейства. Пикассо - фамилия матери, которую и взял Пабло, поскольку фамилия отца казалась ему слишком обыденной, к тому же отец Пикассо, Хосе Руис, сам был художником.
Пабло рано проявил талант к рисованию. Уже с 7 лет он учился у своего отца технике рисования, который сначала поручал ему дописывать лапки голубей на своих картинах. Но однажды, доверив тринадцатилетнему Пабло дописать довольно большой натюрморт, он был настолько поражен техникой сына, что, по легенде, сам бросил заниматься живописью.
В возрасте 13 лет Пабло Пикассо с блеском поступил в Барселонскую Академию художеств. На подготовку к экзамену, обычно занимавшую у студентов месяц, у Пикассо ушла неделя. Он поразил комиссию своим мастерством и был принят в Академию несмотря на свой юный возраст. Отец Пикассо совместно с его дядей решили послать Пабло в Мадридскую академию "Сан Фернандо", считавшуюся на тот момент самой передовой Школой искусств во всей Испании. Так, Пабло в 1897 году в возрасте 16 лет приехал в Мадрид. Однако занятия в Школе искусств продлились недолго, меньше года, и Пабло был захвачен всеми другими прелестями мадридской жизни, а также изучением работ впечатливших его тогда художников - Диего Веласкеса, Франсиско Гойи, и в особенности Эль Греко.
В возрасте четырнадцати лет он был принят в Академию изобразительных искусств в Барселоне. Вернувшись в Барселону, он совершил свою первую поездку в Париж, возвращаясь к нему несколько раз, пока он наконец не успокоился. Так называемый «синий период» начал выступать до тех пор, пока имя в это время не проистекает из того факта, что Пикассо рисовал монохромный, используя в основном синий во всех возможных оттенках и нюансах. Субъекты были в основном бедными и маргинализованными. Пикассо отдавал предпочтение всей фигуре в изолированных местах и с грустным и грустным видом.
Коллекция ранних работ Пикассо находится в Барселоне, в музее Пикассо. Самые известные из них: "Первое причастие" (1896) - большая картина, изображающая сестру Пикассо Лолу, "Автопортрет" (1896), "Портрет матери" (1896). Уже будучи взрослым и посетив как-то выставку детских рисунков, Пикассо сказал: "В их возрасте я рисовал как Рафаэль, но мне потребовалась целая жизнь, чтобы научиться рисовать как они".
Во время обучения в Мадриде Пикассо совершил свое первое турне в Париж - признанную тогда европейскую столицу искусств. Там он в течение нескольких месяцев посетил все без исключения музеи, изучая живопись великих мастеров: Делакруа, Тулуз-Лотрека, Ван-Гога, Гогена и многих других. Также он увлекался искусством финикийцев и египтян, готической скульптурой, японской гравюрой. Пабло интересовало абсолютно все. Тогда же, в первые годы жизни в Париже он познакомился с коллекционером и торговцем живописью Амбруазом Волларом, поэтами Максом Жакобом и Гийомом Аполлинером и многими другими. Он вновь посещал в Париж в 1901 и в 1902 году и уже окончательно перебрался туда к 1904 году. 
"Первое причастие". 1896 г
"Автопортрет". 1896 г
"Портрет матери художника". 1896 г
Были картины грусти, подчеркнутые холодными тонами, с которыми были сделаны картины. Он начинает то, что называется «розовым периодом». В дополнение к изменению цвета в картинах этого периода, предметы также изменились. Для того, чтобы быть изображены персонажи, снятые цирком, соляными кустами и масками художественной комедии, такими как Арлекино.
В те годы была великая ретроспектива на картине Сезанна, которая только что исчезла, что оказало большое влияние на Пикассо. И в то же время, как и многие другие художники того времени, Пикассо интересовался африканской скульптурой на основе этого открытия этого первобытного экзотика, который предложил большую европейскую художественную культуру от Гогена.
"Голубой" период (1901-1904)
К "голубому" периоду относят работы, созданные в промежутке между 1901 и 1904 гг. Серо-голубые и сине-зеленые глубокие холодные цвета, цвета печали и уныния, постоянно присутствуют в них. Пикассо называл голубой "цветом всех цветов". Частые сюжеты этих картин - изможденные матери с детьми, бродяги, нищие, слепые. Наиболее известные работы этого периода: "Жизнь" (1903), "Завтрак слепого" (1903), "Скудная трапеза" (1904), "Любительница абсента" (1901), "Свидание" (1902), "Мать и дитя" (1903), "Нищий старик с мальчиком" (1903, "Гладильщица" (1904), "Двое" (1904).
В те годы он был связан интенсивным художественным партнерством с Джорджем Браком. Два художника тесно сотрудничали с локтями, производя произведения, которые часто неразличимы между ними. В этот период окончательное освящение художника достигло уровня известности, когда-либо достигнутого другим художником в этом столетии.
Кубистская фаза была периодом великих экспериментов, в которых Пикассо поставил под сомнение саму концепцию художественного представительства. Переход от аналитического кубизма к синтетическому кубизму стал фундаментальным моментом в его художественной эволюции. Художник все больше интересовался упрощением формы, достижением чистого знака, который содержал структуру вещи и ее концептуальное признание.
"Любительница абсента". 1901 г
"Свидание (Две сестры)". 1902 г
"Старый еврей". 1903 г
"Гладильщица". 1904 г
Кубинский этап Пикассо продолжался около десяти лет. Он отказался от экспериментов, чтобы перейти к более традиционной картине. Цифры стали прочными и почти монументальными. Это возвращение к фигуративности предполагает в течение нескольких лет аналогичное явление, которое с середины 1920-х годов распространилось по всей Европе, отмечая конец исторического авангарда.
Но жизнеспособность Пикассо не прекращается. Этот курс предлагает часы, разделенные поровну между уроками языка и историей искусства. Они помогут вам не только улучшить ваши испанские навыки, но и узнать много о жизни, творчестве и художественных стилях испанских художников, таких как Пикассо. Кроме того, у вас будет невероятная возможность увидеть всемирно известные шедевры Пикассо, такие как «Герника» и «Лас Менинас».
"Розовый" период (1904 - 1906)
"Розовый период" характеризуется более жизнерадостными тонами - охристыми и розовыми, а также устойчивыми темами изображений - арлекинами, бродячими актерами, акробатами ("Семейство комедиантов" (1905), "Акробат и молодой Арлекин" (1905), "Шут" (1905). Очарованный комедиантами, ставшими моделями его картин, он часто посещал цирк Медрано; в это время арлекин - любимый персонаж Пикассо. В 1904 году в Пикассо встретил модель Фернанду Оливье, которая вдохновила его на создание многих значительных работ этого периода. Они жили в центре богемной парижской жизни и мекке парижских художников Бато-Лавуар. Это странное полуразрушенное здание с темными лестницами и извилистыми коридорами было домом очень разношерстной компании: художники, поэты, торговцы, дворники... Здесь, в совершенной бедности на грани нищеты и неописуемом твоорческом беспорядке Пикассо постоянно писал свою Фернанду и искал свой путь. 
Знаменитую "Девочку на шаре" (1905) относят к переходным картинам между "голубым" и "розовым" периодами. Художник играет на контрасте и балансе форм или линий, тяжести и легкости, устойчивости-неустойчивости. Также в конце "розового периода" появились "античные" картины - "Мальчик, ведущий лошадь" (1906), "Девочка с козлом" (1906) и другие. 
"Акробат и молодой Арлекин". 1905 г
"Девочка на шаре". 1905 г
"Мальчик, ведущий лошадь". 1906 г
Пабло Пикассо: история его жизни
Мы надеемся увидеть вас в Испании на наших курсах истории испанского искусства, но в то же время читаем больше о Пабло Пикассо. Имя, признанное во всем мире, Пабло Пикассо ассоциируется со многими различными движениями современного искусства. Вместо того, чтобы отражать тенденции в то время, стиль Пикассо в основном зависит от его личного настроения и воображения?
Он произвел глубокое впечатление на его творчество, науку и благотворительность, а четыре года спустя его картины получили большое удовольствие на выставке изобразительного искусства в Мадриде и Малаге. Это приводит к очень короткому обучению в Академии изящных искусств в Мадриде, но Пикассо не был впечатлен формальными академическими выражениями и снова вернулся в Барселону.
"Африканский" период (1907 - 1909)
В 1906 году Пикассо работал над портретом Гертруды Стайн. Он переписывал его около восьмидесяти раз и, по воспоминаниям самой Гертруды Стайн, в итоге Пикассо сказал ей в ярости: "Я перестал вас видеть, когда смотрю на вас". и оставил работу над портретом. Это был переломный момент в его творчестве и отсюда начался путь Пикассо от изображения конкретных людей к изображению человека как такового и к форме как к самостоятельной структуре. Пикассо требовались подтверждения его пути в общем развитии мирового искусства и новые впечатления для обретения новой творческой энергии и открытие наукой того времени целого пласта африканской культуры послужило толчком и для творчества художника. Особенно он интересовался африканской скульптурой и масками, он считал их наделенными магической силой и нашел в них чувственную простоту форм. Скорее всего именно эти "африканские влияния" и определили окончательный вариант портрета.
В 1907 году появилась знаменитые "Авиньонские девицы". Над ними художник работал больше года - долго и тщательно, как не работал до этого над другими своими картинами. Первая реакция публики - шок. Матисс был в бешенстве. Даже большинство друзей не приняли эту работу. "Такое ощущение, что ты хотел накормить нас паклей или напоить бензином", - говорил художник Жорж Брак, новый друг Пикассо. Скандальная картина, название которой дал поэт А. Сальмон, была первым шагом живописи на пути к кубизму, а многие искусствоведы считают ее отправной точкой современного искусства. 
"Авиньонские девицы". 1907 г
Этот период его жизни привел его к мрачному событию, когда один из его лучших друзей покончил жизнь самоубийством. В то время Пикассо постоянно поселился в Париже. Вместе со своим близким другом, Браком, Пикассо - это движение «кубизм» перед фронтом - экспериментирование и работа с непропорциональными и искаженными человеческими формами в однотонных тонах, которые становятся отличительными признаками его работы. Пикассо также пытается создать коллажи, скульптуры и картины, написанные карандашом.
Герника наполнена содержанием и смыслом, даже немного запугивающим. Картина, которая является реакцией на бессознательное состояние войны. Прямой ответ на немецкую бомбардировку баскского города Герника в том же году. Хотя Пикассо не полностью следовал сюрреалистическому движению, в конце его жизни его работа все больше напоминала сюрреализм после того, как узнаваемые человеческие формы были трансформированы в контуры.
Кубизм (1909 - 1917)
В "кубическом" периоде Пикассо выделяют несколько этапов. "Сезанновский" кубизм, представленный в работах "Бидон и миски" (1908), "Три женщины" (1908), "Женщина с веером" (1909) и других, характеризуется "сезанновскими" тонами - охристыми, зеленоватыми, коричневыми, но более размытыми, мутными и использованием простых геометрических форм, из которых строится изображение. "Аналитический" кубизм: предмет дробится на мелкие части, которые чётко отделяются друг от друга, предметная форма как бы расплывается на холсте. "Портрет Амбруаза Воллара" (1910), "Завод в Хорта де Сан Хуан" (1909), "Портрет Фернанды Оливье" (1909), "Портрет Канвейлера" (1910). На этапе "синтетического" кубизма работы Пикассо принимают декоративный и контрастный характер. Картины изображают по большей части натюрморты с различными предметами: музыкальными инструментами, нотами, бутылками вина, курительными трубками, столовыми приборами, афишами... Также, опасаясь превращения кубизма в чисто абстрактные эстетические упражнения, понятные лишь узкому кругу, Пикассо и Брак использовали в своих работах реальные предметы: обои, песок, веревки и др. Работы "синтетического" периода: "Натюрморт с плетеным стулом" (1911-1912), Бутылка перно (столик в кафе)" (1912) "Скрипка м гитара" (1913).
Несмотря на неприятие кубизма большинством, картины Пикассо очень хорошо покупаются. Наконец-то кончается нищенское существование и Пабло с Фернандой в сентябре 1909 года перебрались в просторную и светлую мастерскую на Клиши, 11. Конечно, Пикассо не забыл перевезти и свой обязательный беспорядок: причудливые бутыли и вазы, гитары, старый ковер, картины любимый художников - Матисса, Сезанна, Руссо, коллекция африканских масок... Он всегда говорил, что испытывает ужас перед гармонией и хорошим вкусом. Он покупал вещи, которые ему нравились, не заботясь о том, как они смотрятся вместе.
Осенью 1911 года Пикассо расстался с Фернандой. Его новой музой стала Ева (Марсель Умбер), с которой он жил и создавал свои кубические работы на Монпарнасе и в Авиньоне. Одна из работ, посвященных Еве - "Обнажённая, Я люблю Еву" (1912). Затем наступили печальные годы: война, мобилизация и расставание со многими друзями, неожиданная болезнь и трагическая смерть Евы. 
"Женщина с веером". 1909 г
"Портрет Даниэля Анри Канвейлера". 1910 г
"Скрипка и гитара". 1913 г
"Обнажённая, Я люблю Еву". 1912 г
Пабло Пикассо: художественные стили и влияния
Если вы изучаете испанский язык в Испании, вы можете полюбоваться великолепной коллекцией Пабло Пикассо в Национальном музее современного искусства имени Рейны София в Мадриде или в музее Пикассо в Барселоне. Жизнь Пикассо в Париже ставит его на передний край художественного развития, позволяя ему познакомиться и познакомиться с лучшими в мире современного искусства. Работы французского художника Сезана представляли особый интерес для Пикассо.
Тем не менее, Пикассо был в первую очередь новатором, и многие из вещей, которые характеризовали его работу, были его собственным неповторимым стилем. Стиль, который он переработал и преобразовал в течение длительного времени, но который остался для него главным на протяжении всей его творческой жизни.
Неоклассицизм (1918 - 1925)
Весной 1917 года поэт Жан Кокто, сотрудничавший с Сергеем Дягилевым, предложил Пикассо сделать эскизы костюмов и декорации к будущему балету. Художник отправился работать в Рим, где влюбился в одну из танцовщиц Дягилевской труппы - Ольгу Хохлову. Они поженились в 1918 году, а в 1921-м у них родился сын Поль.
В это время его полотна очень далеки от кубизма; на них: ясные и понятные формы, светлые тона, правильные лица. Самая выразительная картина этих лет - "Портрет Ольги в кресле" (1917). Пикассо активно критиковали за смену стиля, как прежде критиковали за кубизм. На эти обвинения он ответил в одном из интервью: "Всякий раз, когда я хочу что-то сказать, я говорю в той манере, в которой, по-моему ощущению это должно быть сказано". Другие картины "реалистического" периода: "Купальщицы" (1918), "Женщины, бегущие по пляжу" (1922), "Детский портрет Поля Пикассо" (1923).
"Портрет Ольги в кресле". 1917 г
"Женщины, бегущие по пляжу". 1922 г
"Детский портрет Поля Пикассо". 1923 г
Кубизм был важным элементом во всем движении современного искусства. Идея фрагментации и стилизации вещей, особенно человеческих форм, открывает путь для будущих абстрактных и сюрреалистических художников. Идея кубизма вдохновила Пикассо, когда он посетил выставку африканского искусства в Музее Трукадейро. Смелые идеи человеческих форм, которые он видит там, помогут ему развить свой собственный стиль - кубизм.
Пикассо начал создавать скульптуры и коллажи, основывая их на кубизме. Использование материалов, таких как стекло и газеты, привело к революции в том, как воспринимались коллажи и скульптуры. По прошествии времени Пикассо сосредоточился на абстрактном и сюрреалистическом мире, в котором он использовал яркие цвета. Признанные формы стали символами несоизмеримых объектов и форм. Трудно понять, где он влияет на более поздние работы, но это можно считать продолжением и развитием его кубистской работы.
Сюрреализм (1925 - 1936)
"Красота будет конвульсивной, или ее не будет" - сказал Андре Бретон, основоположник сюрреализма, течения в искусстве, ставившего своей задачей постижение истинных глубин художественного творчества посредством проникновения в мир снов и бессознательного.
В 1925 году Пикассо написал картину "Танец". Агрессивная, болезненная, с деформированными фигурами, она отражает тяжелый период в семейной жизни художника и одновременно провозглашает новый перелом в его творчестве. Пикассо близок к сюрреалистам, но у него всегда свой путь.
Работы этого периода: "Купальщица, открывающая кабинку" (1928), "Фигуры на пляже" (1931), "Женщина с цветком" (1932) и др.
В холодный январский день 1927 года Пикассо встретил семнадцатилетнюю Марию Терезу Вальтер. Он приобрел для нее замок Буажелу и там она стала его единственной моделью и героиней нескольких его известных работ, например "Зеркало" (1932, частное собрание), "Девушка перед зеркалом", (1932, Музей современного искусства, Нью-Йорк); с нее также сделана скульптура "Женщина с вазой" (теперь эта скульптура стоит на могиле художника)). В 1935 году Мария-Тереза родила дочь Майю, но к 1936 году Пикассо расстался с обеими женщинами, хотя официально не был разведен с Ольгой Хохловой вплоть до ее смерти в 1955 году.
В 1930-1934 годах Пикассо увлекается скульптурой и создает ряд скульптурных работ в духе сюрреализма: "Лежащая женщина" (1932), "Мужчина с букетом" (1934), а также с помощью своего испанского друга-скульптора Хулио Гонсалеса сооружает различные металлические абстрактные конструкции. В те же 30-е гг. он создает ряд гравюр-иллюстраций к "Метаморфозам" Овидия (1930) и произведениям Аристофана (1934), свидетельствующих о том, что классика всегда была для него сильным источником вдохновения. 
"Танец". 1925 г
"Купальщица, открывающая кабинку". 1928 г
"Женщина с цветком". 1932 г
Это такая же легенда, как и таинственность. Все еще живым, Пикассо любил всевозможные мистификации, украшал и изобретал факты своей биографии, каждый раз рассказывал им по-разному. Сегодня трудно определить, где заканчивается истина и начинается фикция. Но это не важно, в конечном итоге преувеличения и абсурдные истории стали частью образа этого, вероятно, самого известного художника ХХ века.
Полное имя Пикассо - Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Размонтировано Мария де лос Ремедиос Криспин Криспинанно де ла Сантитис Тринидад Руис и Пикассо. Несмотря на обилие святых и покровителей покровителей в этой серии имен, маленький Пабло появился в мире, даже не заплакав, и его родственники решили, что он мертв. Чтобы проверить это, его дед, Сальвадор, дышал прямо в сигаретный дым ребенка и плакал. К концу своей жизни Пикассо был страстным курильщиком, и эта история была его объяснением.
Война в Испании. Герника. Вторая мировая война (1937-1945)
Начиная с 1930-х годов в творчестве Пикассо появляется такая ключевая для него тема и образ как бык, Минотавр. Художник создает целый ряд работ с этим персонажем ("Минотавромахия", 1935), при этом миф о Минотавре Пикассо трактует по-своему. Для Пикассо бык, Минотавр - это разрушительные силы, война и смерть.
Апогеем развития этой темы стала знаменитая картина Пикассо "Герника" (1937). Герника - это маленький городок басков на севере Испании, практически стертый с лица земли немецкой авиацией 1 мая 1937 года. Эта огромная (почти восемь метров в длину и три с половиной в высоту) монохромная (черный, белый, серый) картина была впервые выставлена в республиканском павильоне Испании на Всемирной выставке в Париже.
Однажды гестапо устроило обыск в доме Пикассо. Нацистский офицер, увидев на столе фотографию "Герники", спросил: "Это вы сделали?". "Нет" - ответил художник - "это сделали вы".
В этот же период создана и серия монстров "Мечты и ложь генерала Франко" (1937) (в 1936 году во время гражданской войны в Испании Пикассо поддержал республиканцев и выступил против сторонников генерала Франко) и еще ряд картин на сходные темы: "Ночная рыбалка на Антибах" (1939), "Плачущая женщина" (1937) (последнюю картину он писал с Доры Маар, югославской женщины-фотографа, с которой Пикассо познакомился в 1936 году; она прославилась тем, что запечатлела стадии работы Пикассо над "Герникой").
В годы второй мировой войны Пикассо живет во Франции, где сближается с коммунистами-участниками Сопротивления (в 1944 Пикассо даже вступает во Французскую компартию). В это время он создает такие картины с тем же лейтмотивом быка, войны и смерти: "Натюрморт с бычьим черепом" (1942), "Утренняя серенада" (1942, Нац. музей современного искусства, Центр Помпиду, Париж), "Бойня" (1944-1945, Музей современного искусства, Нью-Йорк) и скульптуру "Человек с агнцем" (1944), которая была установлена впоследствии перед старинным романским собором на торговой площади города Валлорис на юге Франции. 
"Герника". 1937 г
"Ночная рыбалка на Антибах". 1939 г
"Плачущая женщина". 1937 г
"Натюрморт с бычьим черепом". 1942 г
Мать Пикассо утверждала: «Мой сын создан для себя, и ни одна женщина не может быть счастлива с ним». Правильно - рассказы о Пикассо и его женщинах - пожалуй, самая известная и скандальная часть его биографии. Например, когда Мари-Терес Уолтер и Дора Маар говорят ему выбирать между ними, он говорит им понимать друг друга, и между ними начинается настоящая женская битва, где Пикассо посвящает картину «Птицы в клетке». Двое его любовников покончили с собой после расставания с ним.
В разговоре с Аполлинером Пикассо он сказал, что думал, что Лувр должен просто загореться. Мона Лиза исчезает, Аполлинер указал на Пикассо в качестве потенциального подозреваемого. Художника вызвали на вопрос, и, хотя было подтверждено, что он не имеет ничего общего с кражей, слухи были там, и миф остался в истории.
Послевоенный период (1945 - 1960e)
Уже в мирное время, в 1946 году, Пикассо делает живописный ансамбль из 27 панно и картин для замка княжеской семьи Гримальди в Антибе - курортном городе на Средиземноморском побережье Франции. Панно в первом зале называется "Радость бытия" и вся серия выдержана в том же духе гармонии с природой и бытием - изображения фавнов, обнаженных девушек, кентавров, сказочных существ…
Пикассо ненавидел парикмахеров и урезал себя, и его волосы были сохранены как «божественная часть». Кроме того, он боялся отвезти его в армию, чтобы не рак, не смеяться над непропорциональной фигурой. Все еще жив, Пикассо - чрезвычайно успешный художник и миллионер.
Тем не менее, он известен тем, что спасает себя, не одалживает деньги и не участвует ни в каких благотворительных целях. Пабло Пикассо, несомненно, один из гениев двадцатого века, с необычайно своеобразным стилем, который вряд ли можно ошибаться. Его имя рождения - Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непосвященный Мария де лос Ремедиос Криспиниано де ла Сантисима Тринидад Мартир Патрисио Руис и Пикассо. Он получает первые уроки живописи от своего отца, который также является художником.
В 1946 году Пикассо знакомится с молодой художницей Франсуазой Жило и переезжает с ней в замок Гримальди. Франсуаза вскоре дарит ему сына Клода и дочь Палому. Франсуазе посвящена картина "Женщина-цветок". (В 1953 году Франсуаза сбежала от Пикассо с двумя детьми из-за его сложного характера и постоянных измен, художник тяжело переживал это расставание, что отразилось в ряде его работ того времени - например, в серии рисунков тушью, изображающих отвратительного старого карлика буффонадно контрастирующего с юной и прекрасной девушкой).
Он учился в Академии изящных искусств в Барселоне, а затем окончил Королевскую академию в Мадриде, но ушел в первый год учебы. Пикассо поселился в Париже, где провел большую часть своей жизни. Пикассо дважды женился и имеет четверо детей из трех женщин. Известен любовью к молодым любовникам.
Работы Пикассо обычно делятся на несколько периодов - синие картины того периода изображают акробатов, арлекинов, художников; розовый - его картины доминируют над керамическими цветами и земными тонами. Пикассо заложил основы кубизма. Он признан лучшим художником за последние 100 лет, самым дорогим и самым украденным художником в мире.
В 1949 году Пикассо рисует своего знаменитого "Голубя мира" на плакате Всемирного конгресса сторонников мира в Париже, а в 1951 году создает политическую картину "Резня в Корее" (Музей Пикассо, Париж). С 1947 года Пикассо живет на юге Франции, в городе Валлорисе, где расписывает в 1952 году стены старой капеллы аллегорическими символами войны и мира и сам называет все это "Храмом мира". В Валлорисе же Пикассо занялся керамикой. Он создает своих излюбленных персонажей - кентавров, фавнов, быков, голубей, женщин, делает антропоморфные кувшины. До сих пор в этом городке на юге Франции сохранились так называемые "керамические мастерские", которые продолжают держать марку "Пикассо" и тиражировать изделия, придуманные художником. В 1958 году уже признанный и прославленный художник создает для здания ЮНЕСКО в Париже монументальную композицию "Падение Икара". В 1961 году почти 80-летний Пикассо женится на 34-летней красавице Жаклин Рок. Она вдохновляет его на серию портретов, на которых можно увидеть ее точеный профиль сфинкса. Для нее и себя он покупает виллу в Каннах.
Почти весь холст занят двумя фигурами: слабая гимнастка репетирует цирковое число, балансирующее мяч, и сильного атлета, который отдыхает. И неудивительно, что в течение года Пикассо уже живет во французской столице Парижа. Там он начал создавать синие оттенки и синие оттенки. Эти картины характеризуются их изысканностью и печалью - «Старый еврей», «Слуховые трусы на берегу моря», «Любитель абсента».
«Леди Авиньон» - одна из самых известных картин Пикассо. Он написал его во Франции, создав более ста подготовительных зарисов. Первоначальное название было «Философская граница», позже изменено на «Леди Авиньон» - имя, предложенное писателем Андре Салмоном. Картина часто упоминается как революционный поворотный момент в развитии современного искусства. Он устанавливает основы кубизма.
В 1950-х годах Пикассо пишет различные вариации на темы прославленных мастеров - Веласкеса, Гойи, Манэ в свободной скандальной кубистической манере: "Девушки на берегу Сены. По Курбе" (1950, Художественный музей, Базель), "Алжирские женщины. По Делакруа" (1955), "Менины. По Веласкесу" (1957), "Завтрак на траве. По Мане" (1960).
"Афиша Всемирного конгресса сторонников мира". 1949 г
"Клод и Палома играют"1950г
"Голова женщины"1951
"Алжирские женщины (Делакруа) VIII"1955
1957"Натюрморт на комоде"1955
"Менины. По Веласкесу"1957
"Завтрак на траве. По Мане"1960
Последние годы (конец 60-х - 1973)
В позднем творчестве художник часто обращается к женскому портрету (портреты Жаклин Рок). Жаклин остается последней и верной женщиной Пикассо и ухаживает за ним, уже больным, ослепшим и плохо слышащим, до самой его смерти. Умер Пикассо 8 апреля 1973 в возрасте 92 лет, мультимиллионером, в городе Мужене во Франции и похоронен около принадлежавшего ему замка Вовенарг. Он оставил после себя более 80 тысяч работ (по другим сведениям около 20 тысяч). О смерти сам Пикассо говорил так: "Я все время думаю о Смерти. Она всего лишь женщина, которая никогда не покинет меня". Еще при жизни художника, в 1970 году был открыт Музей Пикассо в Барселоне (картины для этого музея передал сам Пикассо), а в 1985 усилиями наследников художника - уже был создан Музей Пикассо в Париже, насчитывающий более 200 картин, более 150 скульптур и несколько тысяч рисунков, коллажей, эстапмов, документов.
Творчество Пикассо кардинальным образом повлияло на ход развития искусства и культуры всего XX века. А на мировых аукционах до сих пор отыскиваются и выставляются на продажу все новые и новые, пока еще малоизвестные работы прославленного мастера из его огромного наследия.
Все материалы взяты из
О Пабло Пикассо слышали все. Это не только известный испанский художник, но и скульптор, график, керамист, театральный художник, поэт и драматург. Его имя, данное при крещении, состоит из 23 слов — Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Сиприано де ла Сантисима Тринидад Мартир Патрисио Руис Клито Пикассо. Говорят, что он назван так в честь нескольких святых и родственников. Свой редкий талант Пабло проявил в нежном возрасте 10 лет, когда он закончил свою первую картину под названием «Желтый пикадор», на которой изображен человек верхом на лошади во время корриды. За свою жизнь Пабло Пикассо написал много шедевров, которые до сих пор заставляют мир благоговеть. В нашем списке мы перечислили самые знаменитые.
✰ ✰ ✰
10Старый гитарист
Картина была написана в 1903 году после того, как друг Пикассо, Карлос Касагемас покончил жизнь самоубийством. В это время с пониманием художник относится к оступившимся, униженным судьбой и бедностью. Это полотно было создано в Мадриде, и используемый искаженный стиль напоминает Эль Греко. Здесь изображен изогнутый слепой человек, который держит большую коричневую гитару. Коричневый цвет выходит за рамки общей цветовой гаммы картины. Не только фактически, но и символически гитара заполняет все пространство вокруг старика, который, кажется, не обращая внимания на слепоту и бедность, полностью отдался музыке.
✰ ✰ ✰
9Девушка перед зеркалом
На написанной в марте 1932 года картине мы видим образ французской любовницы Пикассо, Марии Терезы Вальтер. Стиль этой картины называется кубизм. Идея кубизма — взять объект, разбить его на более простые части, а затем, исходя из нескольких точек зрения, воссоздать те самые части на холсте. В «Девушке перед зеркалом» можно рассмотреть образ тщеславия. Картина на первый взгляд кажется довольно простой, но если присмотреться, то можно найти различные глубокие символы на всех частях картины.
✰ ✰ ✰
8Герника
Возможно, это одна из самых известных картин Пикассо. Это не просто обычная картина, а еще и сильное политическое заявление. Здесь художник критикует бомбардировки баскского города Герника, проведенные нацистами во время гражданской войны в Испании. Картина размером 3,5 м в высоту и 7,8 м в длину представляет собой мощный обвинительный акт против войны. Используемый стиль живописи представляет собой сочетание в черно-белых тонах пасторали и эпоса. «Герника» — скрупулезное изображение трагедий войны и страданий мирных жителей.
✰ ✰ ✰
7Три музыканта
Название картины заключает в себе название серии, которая была завершена Пикассо в 1921 году в Фонтенбло недалеко от Парижа. Это довольно большая картина по размеру – ширина и высота ее более 2 метров. Здесь используется синтетический стиль кубизма, который превращает художественное произведение в последовательность плоскостей, линий и дуг. На каждой картине под этим названием изображен Арлекин, Пьеро и монах. Считается, что этими тремя символическими героями являются сам Пикассо, Гийом Аполлинер и Макс Жакоб, соответственно. Аполлинер и Жакоб были очень хорошими друзьями Пикассо в течение 1910-х годов. Некоторые историки, однако, считают, что «Три музыканта» — это запоздалый ответ Пикассо Матиссу и его «Уроку фортепиано».
✰ ✰ ✰
6Сидящая женщина. Мария Тереза Вальтер
Как и «Герника», это произведение искусства тоже создано в 1937 году. Музой Пикассо была Мария Тереза Вальтер, и он создал множество ее спокойных образов. Многие считают, что эта картина напоминает королеву из колоды игральных карт – такую образность часто проектируют с помощью полос. Работа также выполнена в стиле кубизм наряду с поляризацией красного и зеленого цветов.
✰ ✰ ✰
5Дора Маар с кошкой
На картине, которая была написана Пикассо в 1941 году, его хорватская любовница изображена сидящей на стуле с маленькой кошкой на плече. За время отношений с Дорой Маар, которые длились десять лет, Пикассо рисовал ее портреты много раз. Сама Дора была фотографом-сюрреалистом. Эта картина считается одним из наименее агрессивных изображений Доры Маар, а также одной из самых дорогих картин в мире. В композиции Пикассо проявил исключительное внимание к деталям, многие из которых символичны.
✰ ✰ ✰
4Голубая обнаженная
«Голубая обнаженная» является одним из самых ранних шедевров Пикассо. Она была написана в 1902 г. Эта картина из голубого периода Пикассо. В это время Пикассо использовал бледный, холодный синий цвет в качестве доминирующего цвета в его картинах и эскизах. В большинство его картин во время голубого периода с помощью одного цвета отражены сильные эмоции. «Голубая обнаженная» сидит к нам спиной в позе эмбриона. Картина не предлагает никакого подтекста, и ее эмоции не ясны.
✰ ✰ ✰
3Авиньонские девицы
Этот шедевр написан в 1907 году и является одним из наиболее типичных примеров кубизма в живописи. Картина выходит за рамки традиционной композиции и подачи. Пикассо инновационно использует искаженные женские тела и геометрические формы. Ни одна из фигуры не изображена с традиционной женственностью, и женщины кажутся слегка угрожающими. Пикассо потребовалось девять месяцев, чтобы завершить это полотно. Эта картина также отражает влияние африканского искусства.
✰ ✰ ✰
2Обнаженная, зеленые листья и бюст
Написанная в 1932 году, картина опять изображает любовницу Пикассо, Марию Терезу Вальтер. Полотно размером около полутора метров в длину и высоту было завершено в течение одного дня. Эта картина считается одним из самых больших достижений Пикассо в межвоенный период. Она порождает иллюзии и считается весьма сексуальной.
✰ ✰ ✰
1Плачущая женщина
Холст, написанный маслом, «Плачущая женщина» создан Пикассо в 1937 г. Считается, что эта картина является продолжением темы трагедии, которая изображена в Гернике. Рисуя плачущую женщину, Пикассо непосредственно сосредоточился на человеческом аспекте страдания и создал уникальный универсальный образ. Эта картина завершала серию, которую Пикассо нарисовал в знак протеста. Моделью для картины (как и для всей серии) была Дора Маар, которая работала профессиональным фотографом.
✰ ✰ ✰
Это были самые известные картины Пабло Пикассо. Спасибо за внимание.